Na
Capela Sistina encontra-se uma das obras mais emblemáticas de toda a
Renascença Italiana e que hoje é uma das mais famosas do mundo. O teto
da Capela Sistina foi pintado com a técnica afresco por Michelangelo Buonarroti, obra que foi encomendada pelo Papa Júlio II (1443- 1513).
Como Michelangelo tinha declarada preferência pela escultura, que
considerava como a arte maior, e se reconhecia como um escultor acima de
tudo, foi com relutância que ele aceitou a convocatória do Papa.
A obra começou a ser realizada em 1508 e terminou em 1512, naquilo
que foi uma impressionante empreitada, tendo em conta que o artista terá
feito a totalidade da obra sozinho e deitado.
Análise das Pinturas do Teto
A divisão principal do teto está feita em nove painéis
que representam cenas do livro do Gênesis. Esta escolha do tema
teológico estabelece uma ligação entre os primórdios da história do
homem e a vinda de Cristo, sendo que a figura de Cristo não se encontra
presente na composição pictórica do teto.
Teto da Capela Sistina
As figuras, ainda que pictóricas, são influenciadas pela
escultura e percebe-se a importância que o desenho tem na obra do
artista. Da mesma forma, as imagens revelam o domínio do artista na
representação e conhecimento da anatomia humana.
As figuras são predominantemente fortes, enérgicas, poderosas, mas
também elegantes. Ao longo do espaço imagens gigantescas e musculadas
contorcem-se quase de forma impossível, atribuindo movimento a toda a
composição e também uma energia positiva.
Essa vivacidade da composição é certamente um reflexo do momento
histórico que a Itália vivia e que em breve se espalharia por toda
Europa. Não era apenas a renascença da arte clássica que se respirava,
mas também uma redescoberta da filosofia grega e do humanismo romano.
Uma nova Europa estava nascendo, deixando para trás a Idade Média e
entrando na Idade Moderna, onde o centro do 'mundo' passa a ser o Homem.
Os nove painéis contam a história da criação. O primeiro representa a
luz sendo separada das trevas; o segundo retrata a criação do sol, da
lua e dos planetas e o terceiro representa a terra sendo separada do
mar.
A criação de Adão
O quarto painel é a criação de Adão, uma
das imagens mais difundidas e reconhecidas mundialmente. Aqui Adão está
languidamente recostado, como se com preguiça e quase que obrigando Deus
a um último esforço para conseguir tocar nos dedos de Adão e assim lhe
poder dar a centelha da vida.
Ao contrário da figura "preguiçosa" de Adão, Deus é dotado de
movimento e energia e até os seus cabelos se movem com a brisa
invisível. Debaixo do seu braço esquerdo, Deus leva a figura de Eva que
intimamente segura no seu braço e pacientemente espera que Adão receba a
centelha da vida para também ela poder recebê-la.
Criação de Adão
Veja a análise mais detalhada da obra A Criação de Adão.
No
quinto painel (e central) vemos por fim a criação de Eva; no sexto
temos a expulsão do paraíso de Adão e Eva; no sétimo está representado o
sacrifício de Noé; no oitavo o dilúvio universal e no nono, que é o
último, a embriaguez de Noé.
Ladeando os painéis temos ainda a representação alternada de Profetas (Zacarias, Joel, Isaías, Ezequiel, Daniel, Jeremias e Jonas) e Sibilas (Délfica,
Eritrea, Cumana, Pérsica e Líbica). Esta é uma justaposição entre
cristianismo e paganismo, naquilo que alguns historiadores consideram
ter sido uma forma sutil encontrada pelo artista para criticar a Igreja.
Os painéis, e restante composição pictórica, estão emoldurados por
elementos arquitetônicos pintados (incluindo figuras escultóricas) com
extremo realismo e com os quais as figuras interagem. Alguns sentam-se,
outros recostam-se, nesses elementos de arquitetura falsa.
Nos quatro cantos do teto temos ainda a representação das quatro
grandes salvações de Israel, e espalhadas pelo centro da composição,
vemos ainda vinte figuras masculinas nuas sentadas, conhecidas como os “Ignudi”, nome atribuído pelo próprio artista.
Estas figuras aparecem em pares de quatro rodeando cinco dos nove
painéis do teto, nomeadamente no “embriaguez de Noé”, no “sacrifício de
Noé”, na “criação de Eva”, na “separação da terra do mar” e na
“separação da luz e da escuridão”. Porém, não se sabe exatamente o que
representam nem qual a razão da sua inclusão.
O Juízo Final
Mais de vinte anos depois, Michelangelo
regressou à Capela Sistina para executar O Juízo Final (1536-1541) um
afresco pintado na parede do altar da Capela. Este trabalho foi
encomendado a Michelangelo pelo Papa Clemente VII (1478- 1534), mas a obra só teria início após a morte desse Papa e já sob o pontificado de Paulo III (1468- 1549).
Contrastando com a vitalidade, o ritmo e a energia radiante dos
afrescos do teto, a representação do Juízo Final é sombria e uma
composição de corpos sem real estrutura. No total estão representados trezentos e noventa e um corpos, originalmente retratados a nu (incluindo a Virgem).
O Juízo Final
A composição é dominada pela figura central de um Cristo juiz
implacável e temível. Como fundo temos um céu que se rasgou e na parte
inferior vemos como os anjos tocam as trombetas anunciando o Juízo
Final.
Ao
lado de Cristo a Virgem olha para o lado, como que recusando-se a
enxergar o caos, a miséria, o sofrimento e como todos os pecadores vão
ser lançados no inferno.
Uma das figuras representadas é São Bartolomeu que
em uma mão segura a faca do seu sacrifício e na outra a sua pele
esfolada, e na qual Michelangelo decidiu conceber seu autorretrato.
Assim, a cara deformada da pele esfolada é a do próprio artista, talvez
uma metáfora para representar a sua alma torturada.
São Bartolomeu - Detalhe do Juízo Final
As diferenças entre as pinturas do teto e da parede do altar
estarão relacionadas com a diferente contextualização cultural e
política na época em que a obra foi realizada.
A Europa vivia uma crise espiritual e política, começavam os anos da
Reforma que dariam lugar à cisão dentro da Igreja, e parece que esta
composição serve como aviso que os inimigos da Igreja estão condenados.
Não há perdão, pois Cristo é implacável.
Como todas as figuras desta obra foram pintadas a nu, nos anos que se
seguiram a controvérsia foi aumentando de tom, pois muitos foram os que
acusaram a Igreja de hipocrisia e consideravam a pintura de
pornografia.
Durante mais de vinte anos os difamadores da obra fizeram questão de
espalhar a ideia de que a Igreja estava albergando em uma das suas
principais instalações uma obra pornográfica, fazendo também campanha
insistente para que as pinturas fossem destruídas.
Temendo o pior, a Igreja, na pessoa do Papa Clemente VII (1478-
1534) encomendou que alguns nus fossem repintados, em uma tentativa de
preservar a obra original, impedindo assim a sua destruição. Esse
trabalho foi realizado por Daniele da Volterra no ano da morte de Michelangelo.
Trabalhos de Restauração
As mais recentes intervenções (1980 e
1994) de restauração na Capela Sistina, focadas na limpeza dos
afrescos, revelaram um lado de Michelangelo que estava sendo ignorado
pelos historiadores, não intencionalmente.
Até então apenas a forma e o desenho eram louvados nessa obra,
atribuindo-se o foco ao desenho em detrimento da cor. Porém, a limpeza
de séculos de sujeira e fumo de velas revelou uma vibrante paleta de
cores na obra original de Michelangelo. Dessa forma provando que o
artista não só era um gênio do desenho e da escultura, mas também um
excelente colorista ao nível do próprio Leonardo Da Vinci.
Detalhe do Antes e Depois da Restauração
A Capela Sistina
A Capela Sistina (1473-1481) situa-se
na residência oficial do Papa, no Palácio Apostólico no Vaticano, e a
sua construção foi inspirada no Templo de Salomão. É lá que o Papa
conduz missa pontualmente, e é também aí que o Conclave se reúne para
eleger um novo Papa.
A Capela serviu de atelier para alguns dos maiores artistas da Renascença italiana, não só Michelangelo, mas também Rafael, Bernini e Botticelli.
Mas é inegável que hoje a simples menção do nome da Capela nos remete
para os seus grandiosos afrescos do teto e altar executados por
Michelangelo.
Michelangelo Buonarotti
Michelangelo (1475-1564) foi um dos
maiores vultos da Renascença e é considerado um dos maiores gênios da
arte de todos os tempos. Ainda em vida já assim era considerado, e a si
próprio ele atribuía capacidades acima da média.
Alegadamente de trato difícil a sua genialidade foi, no entanto,
reconhecida quando ele era ainda muito jovem. Frequentou a oficina de Domenico Ghirlandaio e aos quinze anos Lourenço II de Médici o tomou sob a sua proteção.
Humanista e fascinado pela herança clássica (que à data experimentava
o seu mais importante revivalismo artístico), a obra de Michelangelo
centra-se na imagem humana como essencial veículo de expressão. Nessa
preferência é também evidente a forte influência no artista da escultura
clássica.
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